12 der besten Gemälde von Claude Monet

Claude Monet, Kenner der lebendigen Natur, berühmter Schöpfer der unglaublich populären impressionistischen Strömung, wird von Kritikern als das Symbol seiner Epoche angesehen. Wer hätte gedacht, dass dieser kleine Karikaturist später eine Reihe großartiger Gemälde mit einer einzigartigen, unglaublich lebendigen Farbgebung schaffen würde, die zu der Zeit, als der Künstler noch anonym war, Gerüchte über seinen Wahnsinn hervorriefen?. Einige der besten Gemälde des Großmeisters gehören zu seinen berühmtesten Werken.

Auf den Spuren des großen Impressionisten: die 12 größten Meisterwerke des französischen Genies Claude Monet

Nominierung	Standort	Die Arbeit	Bewertung
Ein Überblick über die schönsten Gemälde von Claude Monet	1	„San Giorgio Maggiore in der Abenddämmerung“, 1908-1912	5.0
2	„Dame im grünen Kleid (Camille), 1866	4.9
3	„Ein Spaziergang. Dame mit Regenschirm, 1875	4.9
4	Die Heuschober-Serie, 1890-1891	4.8
5	Serie „Kathedrale von Rouen“, 1892-1893	4.7
6	Die Seerosenserie, 1896-1926	4.7
7	Serie „Bahnhof Saint Lazare“, 1872-1877	4.6
8	„Damen im Garten, 1866	4.5
9	„Eindruck. Die aufgehende Sonne, 1872	4.5
10	„Frühstück im Gras“, 1866	4.5
11	„Die Houses of Parliament bei Sonnenuntergang, 1900-1901	4.5
12	„Waterloo Bridge an einem bewölkten Tag, 1904	4.4

„San Giorgio Maggiore in der Abenddämmerung“, 1908-1912

Bewertung: 5.0

Eines der berühmtesten und bedeutendsten Gemälde im Werk des großen Impressionisten. Die vorherrschenden Farbtöne des Motivs sind orange, die Schattierungen, mit denen der Künstler den Niedergang der italienischen Stadt assoziierte. Eine venezianische Kathedrale und natürlich das Wasser stechen im farbenfrohen Hintergrund hervor.

Der Meister selbst bemerkte, dass das Gemälde der dämmernden Stadt auf eine für ihn unkonventionelle Weise entstand: Die Idee für die Leinwand war so beeindruckend schön und betörend, dass der Künstler fieberhaft arbeitete und sich buchstäblich an die Fersen der sich dem Sonnenuntergang nähernden Sonne und ihres wässrigen Glanzes heftete. Monet verwendete in diesem Werk dramatische Farbkontraste, die ihm Tiefe und Lebendigkeit verliehen.

Inspiriert von der Idee des Augenblicks, wandte Monet eine Technik der kurzen Striche und des schnellen Ausfüllens der Leinwand mit Paste an. So gelang es ihm, den Moment der Farbe sofort einzufangen und das Spiel des Lichts genau wiederzugeben. Dem Autor ging es nicht darum, dem Betrachter eine moralische Botschaft oder eine tiefe Bedeutung zu vermitteln, sondern vielmehr darum, einen sinnlichen Eindruck zu schaffen, angenehme Gefühle zu wecken und einen Eindruck zu vermitteln.

„Dame im grünen Kleid“ (Camille), 1866

Bewertung: 4.9

Dieses Porträt zeigt die Frau des großen Impressionisten Camille Donsier, als sie noch nicht seine Frau oder gar seine Braut war. Als Claude und Camille sich gerade kennengelernt hatten, beschloss Monet, die intensiven Gefühle zwischen ihnen auf die Leinwand zu bringen. In Die Dame im grünen Kleid gelang es dem Maler, den beeindruckenden Moment einzufangen, in dem sich das Mädchen, das praktisch auf dem Weg nach draußen steht, umdreht.

Monet konzentrierte sein ganzes Können auf Camille selbst, indem er ihr Gesicht, die Kurve ihres Halses, ihren Gesichtsausdruck und sogar die leichte Bewegung ihrer Hand sorgfältig herausarbeitete. Man kann die Leichtigkeit oder etwas Ätherisches in dem Bild nicht übersehen: Der Künstler hat versucht, das Mädchen als real, lebendig darzustellen. Monet brauchte kein Meisterideal: das Kleid sieht schwer aus, es scheint auf dem Boden zu schleifen, was darauf hindeutet, dass es aus schwerem Stoff ist.

Monet malte, was er sah und was er von ganzem Herzen liebte (trotz ihrer kurzen Bekanntschaft verliebte sich der Künstler leidenschaftlich und leidenschaftlich in das Mädchen), ohne Ausschmückungen und Komplikationen, die Camille nur kränken würden. Das Gemälde ist unglaublich lebendig und tiefgründig, man spürt die Leidenschaft und die Ängste eines jungen Liebhabers.

„Wandern. Die Dame mit dem Regenschirm“, 1875

Bewertung: 4.9

Das Gemälde gilt als Beginn eines Zyklus von Gemälden, dessen erstes und wichtigstes 1875 gemalt wurde. Das Modell für das Porträt war die erste Frau des Künstlers, Camilla. Das Werk gilt als das größte der 1870er Jahre. Das Gemälde zeigt Camille und ihren Sohn in der Wildnis bei Colombe und Genivier.

Madame Monet steht halb auf der Seite, als hätte sie den Betrachter plötzlich entdeckt. Ihr Kleid flattert im Wind. Die Figur ist leicht nach rechts verschoben, was durch einen geneigten Sonnenschirm ausgeglichen wird, in dessen Kuppel sich das helle Wiesengrün spiegelt. In einiger Entfernung, nur in Hüfthöhe sichtbar, steht Monets Sohn und schaut den Betrachter aufmerksam an.

Nach dem Leben in der freien Natur gemalt, wahrscheinlich in einer Sitzung. Während der Künstler sein Werk schuf, begann die akribische Studie der Figuren allmählich zu dominieren und die Landschaft zu verdrängen. Dennoch vergaß der große Impressionist nicht, dem Betrachter das schwer fassbare Sonnenlicht zu vermitteln, so dass das Bild aussieht, als wäre es lebendig.

Ein besonderes Highlight des Gemäldes ist die Positionierung der weiblichen Figur auf der Leinwand und die niedrige Horizontlinie, die dem Gemälde als Ganzes eine monumentale Wirkung verleiht – eine eher ungewöhnliche Darstellung für einen französischen Impressionisten.

Serie „Heuhaufen“, 1890-1891

Bewertung: 4.8

Monet war der Meinung, dass die Landschaft mit allen Farben, Formen und Stimmungen der Umgebung gemalt werden sollte und „dies zu einer persönlichen, naiven Vision der Situation, die man betrachtet, führen wird“. Monet war nicht der erste Maler, der die ländliche Landschaft mit dem Heuhaufen als Hauptmotiv auf die Leinwand brachte. Van Gogh, Pissarro, Gauguin und andere große Maler haben bereits zu diesem Thema gemalt.

Aber Monet zeichnete sich durch zwei innovative Elemente in seinem Werk aus: seine Art, das Licht zu sehen und eine ganze Reihe von Gemälden zu schaffen. Dank des Fleißes und des Talents des Künstlers können wir heute die Vielfalt ein und desselben Motivs je nach Tageszeit und wechselndem Licht bewundern.

Indem er eine Reihe von Heuhaufenbildern komponierte, versuchte Monet, wie er selbst sagte, den Lauf der Zeit darzustellen. Er beklagte sich darüber, dass im Sommer, wenn er malte, die Sonne so schnell unterging, dass der Künstler nicht mit ihr Schritt halten konnte und immer auf der Suche nach dem flüchtigen Lichtwechsel war.

Im Jahr 1888 fertigte Monet in der Nähe von Giverny Studien über verschiedene Heuwiesen an. Ein Jahr später, zu Beginn der Erntezeit (Sommerernte), wird er auf das gleiche Thema zurückkommen. Er arbeitete monatelang hart und malte Felder, die im Sommer in grellem Sonnenlicht, im Herbst in leuchtenden Rottönen und im Winter dicht in Schnee gehüllt waren.

Im Sommer 1890, als der Meister in den Fall „Olympia“ vertieft war und das Gemälde von der Witwe Manets zurückkaufen und ihr den Louvre schenken wollte, war es bewölkt und es regnete häufig. Deshalb musste er die Leinwände, die er im Atelier begann, verändern und sich ausmalen, wie bunt und außergewöhnlich der Himmel sein könnte. Die fünfzehn Gemälde der Serie, die erstmals bei Durand-Ruel ausgestellt wurden, waren ein durchschlagender Erfolg und trotz des hohen Preises ausverkauft.

Serie der Kathedrale von Rouen, 1892-1893

Bewertung: 4.7

Eine weitere Gemäldeserie des großen Impressionisten, nur diesmal im Zentrum des Themas – die prächtige gotische Kathedrale von Rouen. Für diese Serie lebte Monet in der Nähe der Kathedrale und malte vom frühen Morgen bis spät in die Nacht. Der Künstler war von dem Spiel des Lichts auf dem kalten Stein unglaublich fasziniert und versuchte, diesen erstaunlichen Kontrast auf die Leinwand zu übertragen.

Monet konzentrierte sich nicht auf das Gebäude als Ganzes, sondern auf einen bestimmten Teil davon – die beiden Türme: den Martinsturm und den Albanturm. So wie er es verstanden hatte, sahen die Elemente der Kathedrale wie ein Portal aus, und jedes Gemälde zeigte diese Seite des Gebäudes. Im Laufe seiner Arbeit trug der Künstler nach und nach eine dickere Farbschicht auf die Leinwand auf, um bestimmte Details zu betonen und dem Gemälde ein eigenes Licht zu verleihen.

Oft ging die Arbeit schnell voran, aber Monet selbst beklagte sich über diese Tatsache, da sie die Arbeit erschwerte und es ihm nicht leicht fiel, seine Vision auf die Leinwand zu übertragen. Zeitweise wurde der Maler von Albträumen geplagt, in denen die Kathedrale auf ihn stürzte oder verräterisch ihre Farbe veränderte.

Erst 1895 konnten die Zuschauer die Meisterwerke der französischen Impressionisten sehen, und obwohl die Kritiker geteilter Meinung waren, änderten viele Künstler (auch Ausländer) ihre Meinung. Fast sofort wurden 8 Bilder der Serie an verschiedene Sammler verkauft. Der Rest wurde trotz des recht hohen Preises (ca. 15.000 Franken) von mehreren anderen Liebhabern des Impressionismus gekauft.

Serie „Seerosen“, 1896-1926

Bewertung: 4.7

Ein großer Zyklus umfasst fast 250 Gemälde, von denen jedes in Öl gemalt wurde. Einige der Gemälde können als monumental bezeichnet werden, und zwar nicht nur wegen ihrer beeindruckenden Größe, sondern auch wegen der brillant wiedergegebenen Farbwahrnehmung. Um seine Arbeit zu erleichtern, baute der Künstler ein neues Atelier mit spezieller Beleuchtung.

Bemerkenswerterweise war Monet dabei so mitgerissen und beeindruckt von dem Ergebnis, dass er sich von keinem der in fast 30 Jahren harter Arbeit entstandenen Bilder der „Seerosen“-Serie trennen wollte. Museen und Privatsammlungen begannen nach seinem Tod, diese Gemälde zu erhalten.

Monet war stolz darauf, dass er sein eigenes Haus (in Giverny) kaufen konnte, in dem er einen üppigen Blumengarten anlegte. Die Bilder der Serie zeigen Seerosen, die im Garten des Künstlers wachsen. Übrigens sind viele Gemälde in der Zeit entstanden, als der Maler am Grauen Star litt. Aber vielleicht hat es ihm geholfen, sich von seiner traditionellen Farbwahrnehmung zu lösen und ein unglaubliches Spiel von Farben, Licht und Schatten zu schaffen.

Gemälde aus der Serie „Seerosen“ sind in Museen auf der ganzen Welt zu sehen, unter anderem in Paris, New York, Wales und Oregon. Die Vertreter des Auktionshauses Christie’s bezeichnen die „Seerosen“ von Monet als eines der bekanntesten und bedeutendsten Werke des 20. Jahrhunderts, das einen großen Einfluss auf die Künstler des Impressionismus und der Moderne in der ganzen Welt hatte.

Serie „Bahnhof St. Lazare“, 1872-1877 Jahre

Bewertung: 4.6

1872 wandte sich Claude Monet an die Direktion von St. Lazare und sagte, er wolle eine ganze Serie von Gemälden malen, deren Hauptthema genau der Bahnhof sein werde. Der Künstler hielt das Bahnhofsgebäude für eines der beeindruckendsten seiner Zeit und wollte seine Gefühle für das Zeitalter des technischen Fortschritts ausdrücken, indem er sich von Landschaftsmotiven entfernte.

Da Monet nach dem Leben malte, setzte das Bahnhofspersonal alles daran, Saint-Lazare so schön wie möglich zu machen: Der Bahnhof wurde ständig gereinigt, sogar die Lokomotiven wurden gestrichen und die Lokführer versuchten, so viel Dampf wie möglich abzulassen. Das luxuriöse Panorama ergriff das französische Genie buchstäblich, und so malte er nicht weniger als 12 Bilder, die den Bahnhof nicht nur aus verschiedenen Blickwinkeln, sondern auch bei unterschiedlichem Wetter und zu verschiedenen Tageszeiten zeigen. Diese Serie war die erste in der Karriere des Malers, und bald werden die „Seerosen“ und „Stapel“ erscheinen.

Die Gemäldeserie „Bahnhof St. Lazare“, die er 1877 erstmals der Weltöffentlichkeit vorstellte, war ein durchschlagender Erfolg. Der berühmte französische Schriftsteller Emile Zola sagte später, dass die von Monets Gemälden eingefangene Atmosphäre ihn zu seinem Roman Der Tiermensch über die französische Eisenbahn inspirierte.

„Die Damen im Garten“, 1866

Bewertung: 4.5

Für den zeitgenössischen Betrachter ein sehr ungewöhnliches Gemälde. Monet wollte deutlich machen, dass er ohne Rücksicht auf die akademische Tradition nur so malen würde, wie es seine Inspiration und sein Instinkt verlangten. Der französische Landschaftsmaler Gustave Courbet, der häufig bei Monet zu Gast war, war nicht nur von dessen Vision beeindruckt, sondern auch von der Größe der Leinwand. Aufgrund des riesigen Formats (255h205 cm) war es unglaublich mühsam: Der Künstler musste die Leinwand mit einer Winde in eine spezielle Grube hinablassen, als er begann, den oberen Teil des Bildes zu malen.

Der Impressionist wollte das Spiel von Licht und Schatten so getreu wie möglich einfangen, indem er die kleinsten Details des Motivs herausarbeitete. Seine Figuren spielten nur noch eine untergeordnete Rolle. Die auf der Leinwand dargestellten Frauen sehen stilisiert aus und ihre Gesichter sind schwer zu erkennen – eine Dame steht halb gedreht, die andere mit dem Rücken zugewandt, die dritte versteckt sich hinter einem Blumenstrauß. Er machte deutlich, dass es ihm nicht um die Individualität des Künstlers, sondern um seine Interaktion mit der Außenwelt ging.

Trotz seines scheinbaren Traditionalismus war das Gemälde wirklich innovativ: zahlreiche halbe Drehungen, abgeschnittene Ränder von Kleidern – für einen akademischen Maler wäre dies alles unmöglich gewesen. Das Gemälde „Damen im Garten“ wurde in einer für Monet finanziell schwierigen Zeit gemalt, so dass die Arbeit schwierig war. Er hatte vor, genau dieses Gemälde im Salon de Paris, einer der renommiertesten französischen Kunstmessen, auszustellen, aber die Jury ließ das Werk nicht zu. Doch als Monet berühmt wurde, kaufte die französische Regierung das Gemälde Dame im Garten für stolze 200.000 Francs.

„Impressionisten. Die aufgehende Sonne, 1872

Bewertung: 4.5

Wenn der Begründer des Impressionismus ein Bild malte, ging er davon aus, dass es sein letztes Werk war, das sich nicht verkaufen würde. Aber es war in der Tat mit ihr, und begann die Geburt einer neuen Richtung in der Malerei. 1874 wurde das Werk zusammen mit Werken von Kollegen, „Brüdern im Geiste“, auf einer unabhängigen Ausstellung gezeigt. Aber die Bemühungen der jungen Talente wurden nicht von allen gewürdigt.

So schrieb der Journalist Louis Leroy nach dem Besuch der Ausstellung einen kritischen Artikel mit dem Titel „Die Ausstellung der Impressionisten“, in dem er die Künstler als lächerlich bezeichnete, indem er sagte, dass solche „Kreationen“ die akademischen Maler verrückt machten und den damals unbekannten jungen Leuten den beleidigenden Spitznamen „Impressionisten“ gaben. Natürlich konnte er nicht vorhersehen, dass die Künstler diesen Spitznamen annehmen würden, der zu einer der berühmtesten Kunstbewegungen der Welt werden würde.

In „Impression. Monet widmete (wie immer) der Farbwiedergabe besondere Aufmerksamkeit, indem er ein Minimum an Farbtönen verwendete, aber eine unglaublich lebendige, realistische Landschaft schuf. Die Grundtöne sind bläulich, die gesamte Leinwand wirkt wie ein kalter, feuchter Morgen.

Der Maler hat es geschafft, die Stimmung des Hafens sehr genau wiederzugeben – so wie er von den Einheimischen gesehen wurde – düster, mit Sonnenreflexionen auf dem Wasser, mit dem Himmel, der ins Meer übergeht, wo man schwach die Silhouetten der Schiffe erkennen kann.

„Frühstück im Gras, 1866

Bewertung: 4.5

Ein unterschätztes Gemälde mit einem tragischen Schicksal, das zu einem echten Symbol seiner Zeit wurde. Die Arbeit an der Leinwand begann 1865, inspiriert durch das berüchtigte Gemälde gleichen Namens von Édouard Manet, das einen etwas frivolen Inhalt hatte. Doch abgesehen von einem identischen Namen und vielleicht einer Waldlandschaft haben die Gemälde absolut nichts gemeinsam.

Hinter der Schaffung einer Leinwand verbarg sich ein wahrhaft titanisches Werk, denn das Gemälde hatte ein riesiges Format – 400×600 cm. Und die Arbeit mit einem so großen Hintergrund erfordert viel Geschick, die Fähigkeit, die Komposition, die Farben, die Verteilung der Figuren usw. zu spüren und richtig zu gestalten.

Der Künstler begann seine Arbeit an einem zuvor ausgewählten Ort im Wald von Fontainebleau. Er nahm sich seine Frau Camille und seinen Freund, den „Handwerker“ Frédéric Basil, zum Vorbild. Monet malte zuerst im Freien im Wald, dann skizzierte er die Figuren im Atelier und ging dann wieder mit Modellen hinaus, um nach dem Leben zu zeichnen. Anschließend setzte der Künstler in seinem Atelier alle Elemente zusammen.

Die Leinwand stellt einen kühlen Sommer- oder Frühlingstag dar. Ein strahlend blauer Himmel blickt durch das dichte, üppige Laub der Bäume. Leichte Sonnenstrahlen brechen hier und da durch. Vor dieser Kulisse entspannt sich eine Gruppe von Männern und Frauen, einige plaudern, andere mampfen ihr Essen, wieder andere liegen auf dem Rasen. Es herrscht ein Gefühl der Fröhlichkeit, der Frische des Waldes, der Leichtigkeit.

Ursprünglich hatte Monet das „Frühstück im Gras“ für den Pariser Salon geschaffen, doch die Zeit drängte, und er schrieb die „Dame im grünen Kleid“, die von der Kritik positiv aufgenommen wurde. Der finanziell angeschlagene Maler überließ seinem Vermieter das unvollendete Gemälde als Pfand und beschloss, den großen Druck nicht in Angriff zu nehmen, der sein ganzes Geld verschlang und ihm Schwierigkeiten bereitete.

Aber der Vermieter lagerte das Meisterwerk nachlässig, und ein Teil der Leinwand verrottete einfach, weil sie lange Zeit in einem feuchten Keller lag. Nach 7 Jahren kaufte Monet die Leinwand und zerschnitt sie in 3 Teile, von denen nur 2 übrig blieben (einer war völlig unbrauchbar). Heute betrachten Kritiker das Gemälde als das Debüt des Künstlers in dem damals neuen Stil, ein wahres Aushängeschild für die bevorstehende Revolution in der Kunst.

„Das Parlamentsgebäude bei Sonnenuntergang“, 1900-1901

Bewertung: 4.5

Im Jahr 1900 erwartete Paul Durand-Ruel, ein unnachgiebiger Förderer des Impressionismus, die Rückkehr von Claude Monet aus der britischen Hauptstadt. Das sollte die Ansichten bringen, die er während seiner Zeit in London von den Brücken über die Themse und den Houses of Parliament. Der Künstler brachte das Werk zurück, war aber mit den Skizzen unzufrieden, so dass er ein Jahr später zurückkehrte, um die Leinwand zu verfeinern, und ein weiteres Jahr später.

Durand-Ruel erhielt seine Londoner Serie erst 1904, aber das Warten hatte sich gelohnt: Innerhalb einer Woche wurde sein Parlamentsgebäude in der Abenddämmerung für eine stattliche Summe verkauft. Seitdem befindet sich das Gemälde in zahlreichen Privatsammlungen in Le Havre, Paris, New York und sogar in Japan. Im Jahr 2015 wurde die Leinwand für 40 Millionen verkauft. Dollar.

Während seines Gemäldezyklus beklagte Monet die Unbeständigkeit des Londoner Wetters: „Das Wetter ändert sich ständig wegen der Wolken und des starken Windes… es macht mich verrückt.“. Die Zustände der Natur und die einzigartigen Momente des Sonnenscheins wechseln sich mit enormer Geschwindigkeit ab, aber was Monet auf die Leinwand zu bannen vermochte, ist unbezahlbar. Die besondere Faszination dieses Gemäldes liegt in der ungewöhnlichen, ja unverschämten Wirkung des hellen roten Scheins, der durch die dichten Wolken bricht.

„Waterloo-Brücke bei bewölktem Himmel, 1904

Bewertung: 4.4

Ein weiteres Meisterwerk aus Monets Londoner Serie hatte ebenfalls eine lange Lebensdauer in Ausstellungen. Diese unglaubliche Ansicht der Waterloo Bridge zum Beispiel wurde von einem leidenschaftlichen Liebhaber der Malerei, dem Deutschen Sammler Mikhail Ryabushinsky, erworben. Er war 37 Jahre alt, als es im Deutschen Reich zu einer Revolution kam. Er versteckte einen Teil seiner Sammlung, schenkte einen Teil davon der Tretjakow-Galerie und wanderte dann nach Großbritannien aus. Das Bild gelangte in die Galerie der echten Händler der antiken Welt – Wildenstein. Das Gemälde hat seitdem eine Reihe von Besitzern gehabt, die alle außergewöhnliche Persönlichkeiten waren.

Claude Monet und seine Frau kamen zum ersten Mal in die britische Hauptstadt, um ihren Sohn zu besuchen, und er wusste sofort, dass er wiederkommen würde. Der große Impressionist war von den Farben der Stadt beeindruckt und machte sich daran, die örtliche Landschaft zu malen. Er bewunderte die Poesie einiger Londoner Schauplätze, aber das Wetter machte ihn wahnsinnig, was den Arbeitsprozess um ein Vielfaches erschwerte und gleichzeitig unglaublich spannend machte.

Bei seiner Rückkehr aus London brachte Monet nicht weniger als acht Kisten mit Gemälden mit (!) und kein einziger wurde abgeschlossen. Der Künstler verbrachte weitere Jahre damit, seine Gemälde zu verfeinern, ohne dass eines davon verkauft werden konnte. Als alle seine Gemälde fertiggestellt waren, konnten sie von einem staunenden Publikum, von den Liebhabern des Impressionismus und von den Kritikern betrachtet werden.